Psicodelismo

Um pouco da história dos anos 60...

Os anos 60, acima de tudo, foi um período de explosão de juventude em todos os aspectos. Era a vez dos jovens, que influenciados pelas idéias de liberdade começavam a se opor à sociedade. O movimento passou a caminhar pelas ruas nos anos 60 e influenciaria novas mudanças de comportamento, como o pacifismo do final da década. Durante essa década, o reduto jovem mundial se transfere para uma região dos Estados Unidos, mas precisamente na Califórnia que recebia pessoas de todas as partes do mundo e também por isso, berço do movimento hippie, que pregava a paz e o amor, através do poder da flor (flower power), do negro (black power), e da liberação da mulher. Manifestações e palavras de ordem mobilizaram jovens em diversas partes do mundo.
Mas ao mesmo tempo um problema iria assumir proporções internacionais também a partir dos anos 60. Em muitos países, os estudantes substituíam a rotina das aulas pela rotina das greves, das manifestações, dos protestos e das ocupações de faculdades. Suas organizações políticas multiplicavam-se e os choques com a polícia tornavam-se freqüentes. Protestos comuns iam dando um mesmo sentido às manifestações em várias partes do mundo: as demonstrações eram contra a guerra do Vietnã, contra o racismo, pela paz, pelos subdesenvolvidos.

A foto retrata uma criança, durante a segunda guerra mundial.

A esse conjunto de manifestações, que surgiram em diversos países, deu-se o nome de contracultura. Uma busca por um outro tipo de vida, underground, à margem do sistema oficial. Faziam parte desse novo comportamento, cabelos longos, roupas coloridas, misticismo oriental, música e drogas.

Psicodelismo

O psicodelismo, também chamado de psicodélia, foi um dos caminhos que grande parte da juventude estava escolhendo. Apesar de pouco tempo, o movimento foi de grande influência. Mas naquela época era até uma utopia buscar novas expressões da mente, ainda que fossem simplesmente alucinações imaginativas, imagens irreais ou surreais, sons inexistentes que são ouvidos, impressões daquilo que não existe, mas é percebido.
Vale destacar também que essa arte psicodélica foi causada muitas vezes pelas drogas alucinógenas. Essas drogas eram permitidas, com uso dessas drogas, causava uma influência na percepção, através das luzes imitadas nos concertos através de contrastes de luzes, esse jogo muitas vezes tinha influência com os acordes de guitarra. A principal droga causada a partir desses efeitos era o LSD, também conhecido como uma substância sintética que causa alucinações, em sua maioria, na área visual ou auditiva. Os primeiros efeitos são físicos e começam cerca de uma hora após a ingestão da droga. Os efeitos variam de uma vaga sensação de ansiedade, sendo acompanhados por aceleração da pulsação, pupilas dilatadas, dentre outros. Em seguida, o usuário entra num estado de grande capacidade de receber e analisar de forma estrutural as informações do ambiente fica distorcida. A experiência pode induzir a um estado de cruzamento dos sentidos, no qual o usuário “vê a música e ouve cores”. A percepção espacial também é alterada e as cores têm suas intensidades realçadas; imagens caleidoscópicas e tridimensionais flutuam no vazio. Dessa forma os artistas psicodelicos desejavam obter esses efeitos de vibração óptica através das cores e das formas das letras.
A cor, neste cartaz, é tratada de forma diferente. A “confusão” não se dá através do contraste tonal, que provoca uma vibração, mas sim pela grande quantidade de cores e texturas diferentes. As letras também são preenchidas com texturas o que, propositalmente, dificulta a leitura visto que o texto e o fundo se confundem.
Uma outra forma dessa arte psicodélica ser retrata é uma sobreposição de imagens e textos altamente coloridos e contrastantes. Era relativamente simples de ser produzida. Muitas vezes era utilizada a tecnologia do “faça você mesmo”.
Algumas capas de discos que fizeram sucesso durante essa época foram,

The Beatles - Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

a consagrada capa deste disco fundamental dos Beatles, lançado pela Parlophone, é provavelmente a mais famosa já criada. Utiliza personagens da cultura pop norte americano, além de contrastar imagens coloridas com imagens em preto e branco.

Cream – Disraeli Gears

Ilustrações psicodélicas eram as preferidas para as capas de discos de bandas de rock. O design de Martin Sharp traz ícones surrealistas de alucinações induzidas por drogas em vermelho e amarelo lisérgicos. O LP foi lançado pela Polydor. Essa capa é um exemplo clássico do efeito psicodélico causado pelo uso do LSD: Temos um grande número de imagens caleidoscópicas sobrepostas, causando uma sensação de alucinação visual, que é reforçada pelo uso de tons saturados, que ora se contrastam com tons mais luminosos.

Psicodelismo e suas comparações

Fazendo uma breve comparação com o movimento dos modernistas, essas formas psicodélicas, de certa forma rejeitavam o modernismo como algo fora de moda. Enquanto os modernistas buscavam tendências para aceitar novas inspirações, o psicodelismo olhava para todos os lugares, muitas vezes através das alucinações provocadas por drogas alucinógenas. Muitos artistas psicodélicos buscavam inspiração no início do século, incorporando como o movimento da Art Nouveau.


Op.art.

É um movimento usado para descrever quadros que explora o que o olho pode ver através das ilusões ópticas. Os trabalhos de Op.art. são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão à impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se.

Um dos grandes nomes da Op.art. foi Victor Vasarely.
Depois de um período de expressão figurativa, decidiu optar por uma arte construtivista e geométrica abstrata. Experimentou o uso de transparências e cores em projeções, produziu tapeçarias e publicou suas primeiras gravuras. Seus quadros combinam variações de círculos, quadrados e triângulos, por vezes com gradações de cores puras, para criar imagens abstratas e ondulantes.
Que é inteiramente composto por listas diagonais a preto e branco, curvadas de tal modo que dão à impressão tridimensional de uma zebra sentada, devem ser consideradas as primeiras obras de Op.art.

Um dos mais conhecidos da Op.art. foi Bridget Riley. Com influências de Vasarely, pintou uma série de quadros só com linhas pretas e brancas. No entanto, em vez de dar a impressão de um objeto do mundo real, os seus quadros deixavam frequentemente à impressão de movimento ou cor. Mas tarde ela faria trabalhos produzidos por cores, que assim similar ia à mesma sensação de uma obra preto e branco.

Exemplo disso poderá ser visto nessas obras.

Itaú Contemporâneo

O Itaú Contemporâneo – “Arte no Brasil 1981-2006”, é uma organização cultural, que tem como alvo divulgar e desenvolver as artes contemporâneas. A amostra tem como objetivo à reflexão sobre essas artes no mundo de hoje, além de explorar as variedades de conceitos. O espaço do Itaú cultural apresenta três andares, mas antes de percorrer pela exposição, a monitoria alertou de duas obras que estavam logo na entrada, uma obra de Amílcar de Castro e outra de Regina Silveira, que muitas vezes as pessoas não percebem ao entrar no prédio do Itaú Cultural. Na entrada da exposição, numa espécie de ambiente fechado e todo negro, mostrava obras de Alexandre Orion, obras que apresentavam uma interatividade com o usuário da foto.


No Primeiro andar uma das obras que chamo atenção foi o figurativismo abstrato de Nelson Leirner, é divertido observar que de perto é um monte de adesivos infantis, mas a cada vez que você vai se distanciando a obra vai formando um monte de pontinhos, que lembra o movimento do pontilhismo, do francês Seurat e quase se transforma em uma figura. A obra também faz críticas às questões sociais, política e etc. No andar, outras obras que se destacam é a questão da idéia do belo, onde a obra sem título apresenta três cabeças viradas para baixo dando uma idéia de mundo invertido. Adriana Varejão, em Azulejões mostra uma obra com azulejos enormes, mas que não formam uma idéia. No estande de palavra imagem, Vânia Mignone, apresenta duas palavras Janeiro e infinito, que em baixo respectivamente figuras de café da manhã e cadeira vazia, que significa ao visitante, como será janeiro até dezembro daqui pra frente, além de aplicar o uso da cor quente e deixar as palavras em destaque.



Já no segundo andar, a cenógrafa abriu mão de quadros na parede e inovou, ao colocar todas as obras no chão, para mostrar ao público a apreciar os quadros na horizontal, o teto foi coberto de espelhos, além de apresentar uma passarela ao lado dos quadros. Esse espaço causou muita discussão, pois foi uma forma diferente de apreciar a obra. Duas obras que chamaram a atenção foram uma de José Patrício, em ½ dominó que mostra em uma parte os números dos dominós em decrescente e outro em crescente. Luiz Sacilotto em concrepção 9770 apresenta uma obra em duas cores e com várias diversificações em linhas e movimentos, causadas a partir do olho humano.


Tanto no primeiro andar, quanto no terceiro á uma questão de como o espaço foi dividido. No lugar das paredes, foram colocadas telas (divisórias) transparentes que permite observar o que está do outro lado, para entrar ou sair dos ambientes foram colocadas grandes quantidades de cortinas. Neste terceiro andar é importante mostrar uma fotografia de Vik Muniz uma imagem formada de pequenos blocos em que se divide em comercias e residenciais. Rubens Mano trabalha em uma de suas obras com perspectiva, onde mostra uma luz branca no fundo, dando uma idéia de coisa fantamasgorico. A monitoria esteve bem, soube explicar as obras de maneira clara, mas com pouco tempo de visita acabou falando as obras muito rápido que muitas vezes nem dava tempo de anotar alguma coisa.



A exposição estava muito boa, pois ela vai explorar limites de diferentes materiais para transmitir idéias. A obra esta para olharmos também as formas, linhas, as cores, todo tipo de arte nos leva a sensação seja ela boa ou ruim e que nos permite expor o mundo de hoje nas obras.

Movimento do Pontilhismo e Art Nouveau

Os Neo-impressionistas criam um movimento do pontilhismo. Esse pontilhismo propõe uma arte cientifica, além de estudar os efeitos visuais, a arte baseasse em pontos. Essa arte desenvolve em relação hoje com as artes gráficas. Um dos pioneiros do movimento pontilista, é o francês Georges-Pierre Seurat. Um de seus quadros que mais se destacam é Uma Tarde de Domingo na Ilha da Grande-Jatte, ele utiliza a técnica de pintar pequenos pontos de cores diferentes. Esses pontos vão se agrupando na percepção do olho humano, dependendo da colocação do observador. Seurat também tem seus quadros baseados na teoria da cor.


Um outro pintor francês que se destaca é Paul Signac, com seus trabalhos bem estilizados, ele trabalha com dois princípios da teoria da cor (para o entardecer), como no quadro Red Buoy. Em Portrait of M. Félix Fénéon, ele retrata atrás de um homem, uma forma de piscodelismo, uma ilusão em questão a mágica do personagem.



Art Nouveau

A chamada Art Nouveau tem como característica principal valorizar o trabalho artístico humano, diante do maquinismo e da produção em série. A arte passa a se devolver na Europa e na América. Em cada país o Art Nouveau busca características da região para suas obras, mas ele sempre trabalha com as formas orgânicas. Uma curiosidade é que a libélula é o símbolo do Art Nouveau.
O Art Nouveau começa a se desenvolver na Inglaterra com Willian Morris, sua arte é desenvolvida em papel de parede, elemento orgânico e com formas são buscadas na natureza, como flores. Outros artistas que se destacam é Christopher Dresser e Charles Rennie Mackintosh, que utilizava linhas retas e simples, além das formas.

Na França Hector Guimard, tem destaque ao utilizar peças orgânicas e pequenas curvas. Projetou as estações de Paris, ele substituía madeira por ferro e vidro. René Lalique fazia sua arte em vidros, ele trás um pouco do romantismo ao utilizar as ninfas e em jóias ao mostrar o símbolo do Art Nouveau, a libélula.

Na Bélgica Victor Horta era arquiteto e design, em suas obras ele não se limita só em esculturas. Uma de sua obra é onde ele faz uma sombra projetada na escada além de mostrar as curvas. Faz sua arte em vidros também, onde o Art Nouveau resgata essa idéia com cores e decorativos em floral.

Na Espanha Antonio Gaudi Cornet trabalha com a idéia de reciclagem, de aproveitar as coisas, ele também pega peças de demolição e cria mosaico. Na Alemanha Henry Van de Velde, se baseia ns artes gráficas.

Nos Estados Unidos Louis Comfort Tiffany desloca o vidro da janela e constrói luminárias e faz separações de ambientes. No Brasil temos a arte feita em vidros na “cafeteira Colombo”. Alphonse Marie Mucha apresenta imagens com referências muito fortes para empresas como “O Boticário”, além de fazer cartazes para peças de teatro.

A certa diferença entre uma paisagem romântica e uma impressionista.
Na paisagem impressionista é mostrada que na natureza, o raio luminoso é composto. Além de ter o claro e escuro, tem outras cores. Apresenta também variedades de tons de cores nos quadros. Já na paisagem romântica além de mostrar todo seu realismo e por continuas modificações das cores na natureza, causadas pela luz solar.





Paisagens Românticas x Impressionistas

Podemos ver essas diferenças de paisagens nos quadros de Edgar Degas, pintor impressionista, onde seus conceitos que já são da fotografia, ele trás para a pintura, além concentrava na idéia de movimento e utilizar temas como o balé, os cavalos e cenas do dia-a-dia. Degas mostra essas características no seu quadro tanto em The Dance Class, que mostra também além de uma perspectiva e uma certa nitidez, outra característica importante é a presença de um enquadramento na pintura. Em At The Races Before The Start, além de dar o enquadramento, mostra muito bem essa idéia de movimento. Um pintor romântico que se opõem a essa idéia de movimento é Théodore Géricault, onde em muito de seus quadros, ele constrói ideias de movimento na sua cabeça. Um exemplo disso é a corrida de Epson, onde todos os cavalos estão em uma mesma posição, onde ele tira essa idéia de movimentação da sua cabeça.



Arte Japonesa

A arte japonesa começa a se desenvolver quando surge o período Edo (Ukiyo-e). A gravura muito utilizada é uma arte independente e o que se passa para a madeira são os desenhos das matrizes de cada cor, feito isso cada matriz é gravada numa folha de papel, formando a imagem final que é uma gravura. A única relação com a pintura é que a gravura também é uma imagem.. Um dos artistas fundadores do período foi Hishikawa Moronobu, seus temas preferidos eram flores e pessoas. Devido à quantidade de pinturas, Moronobu desenvolveu as pinturas em blocos de madeira.



Outros artistas que marcaram foram Torii Kiyonobu, criador de uma escola chamada Yakusha-e, que fazia retratos em madeiras. Ele passava a produzir bastantes cartazes de teatro, com isso teve facilidade em reproduzir retratos de atores, aplicando linhas fortes. Uma pintura em especial chama a atenção é quando ele usa apenas duas cores e aplica seus diversos tons.


Nishikawa Sukenobu era considerado um dos mais importantes gravuristas, além de ilustrados de livros seus temas preferido eram cenas do dia-a-dia, as mulheres e etc. Uma de suas características era a facilidade de aplicar os traços, além de pintar as mulheres todas com um padrão de beleza. Em suas pinturas usava poucas cores e há uma curiosidade por parte dos especialistas na arte oriental, que ao eliminar uma cor os trabalhos de Sukenobu ganham mais realce.




Já Okumura Masanobu dedica grande parte de sua atividade à ilustração de obras poéticas e literárias. Realiza junto a algumas paisagens, cenas que tinham como centro a vida da mulher. Uma de suas pinturas é uma mulher vestindo um belo quimono sobre um pássaro. Mostra uma certa harmonia entre a mulher voando em cima do pássaro.
Um fato curioso de ser citado é que a arte japonesa antiga foi uma influencia para a criação do mangá atual.

Manet e Monet

História da arte – 15/03/07
Modernismo – Impressionistas




O chamado movimento moderno começa a se desenvolver da primeira metade do século XX. O modernismo nada mais é do que uma tendência a aceitar novas inovações, ou seja, uma facilidade em adotar novas idéias. Dentro do modernismo existem algumas culturas que influenciam o movimento como a música, a arquitetura, o design e chamada Art Nouveau que influência as artes plásticas.
Na França surge o movimento impressionista, uma escola de pintura que se preocupa com o trabalho ao ar livre, não mais em estúdios. Uma das características da pintura impressionista é a questão principalmente da luz, além do movimento. Esses Artistas preferem a natureza para pintar, pois da para captar melhor essa questão da luz. Para uma pintura impressionista, existe uma série de orientações, como mostrar tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz natural, cores e suas tonalidades não deve ser misturado e etc.
Os pintores que se destacam são Claude Monet, Édouard Manet e Auguste Renoir. Claude Monet, com o quadro Impressão: O nascer do sol tela que da o nome ao movimento impressionista, que mostra um porto visto de manhã com reflexos do sol na água. Ele pintou também retrato de seu filho, Jean Monet, que apresenta máscaras de luz e vários tons de bege e verde. Garden at Sainte-Adresse, mostra um quadro que parece uma imagem real, a tela causa uma sensação de quem olha vê um monte de borrões agrupados, além da moça e do cavalheiro estarem vestidos como se ainda a burguesia ainda estivesse resistente. Monet utiliza bastante à natureza e ele não vai mais discutir o assunto, passa a discutir a luz.
Édouard Manet, utiliza os estilos de luz, sombra e pinta o nu como uma critica, era inconformado pela injustiça social e sua arte era de denuncia social. Na tela Portrait of Gilbert-Marcellin Desboutin , ele pinta o de fundo preto, coloca o personagem em luz para dar o contraste, luz essa de estúdio, calculada e programada. Um de seus quadros que mais criaram polêmica foi Olympia quadro este que mostrava o retrato da amante dos Ministros da França.

Romantismo

História da Arte – 08/03/07
Movimento Romantismo – Artistas do Romantismo


A pintura romântica começa a se desenvolver na Europa, e suas características são as subjetividades e uma observação da vida pelo próprio individuo, sentimentos e sensações. Além dos elementos da natureza e o passado retratados de forma intensa. Em uma época de muitas revoluções uma das artes mais procuradas na época era o Ballet, muitos procuravam essa arte para fugir da realidade.
Na pintura romântica, os países que mais se destacam são a Inglaterra e a França. Na Inglaterra os pintores que mais se destacam são “Os Willians”, William Blake e William Turner. Blake era considerado o maior nome do movimento romântico. Além de pintor ele era ilustrador de livros. Sua pintura que mais se destaca é o senhor do tempo, que mostram dedos como ponteiros de relógio. Turner preferia as pinturas de paisagem, mar e rios, em suas obras ele se preocupava bastante com o encontro das cores. Em sua pintura Veneza, Turner retrata bem esse contexto de paisagem, uma característica importante nessa obra é que ele não vai estar mais preocupado com o acabamento das coisas, ele vai mostrar a representação da natureza, com uma sensação visual através de manchas. Outro pintor que retratava bem a questão da paisagem romântica era John Constable, que na obra A Catedral de Salisbury ele mostra uma natureza serena, os seres vivos tranqüilos e tudo em harmonia.
Já na França o grande nome foi Eugène Delacroix, o grande nome do romantismo francês, ele baseava-se em temas históricos e de caráter político na época, pintou A Liberdade Guiando o Povo, a obra vai tratar os revolucionários seguidos pelo um espirito de liberdade, onde no quadro uma mulher carrega a bandeira francesa. Outro pintor em destaque na França foi Camille Corot, que tambem retrata uma paisagem romântica, mostrando certa serenidade, uma calma em suas obras. Corot tambem não vai estar preocupado como o acabemento, utilizará as manchas.

Análise das Odaliscas.

Na odalisca de Ingres ela segue um padrão de beleza das mulheres gregas, ou seja, uma mulher magra, bonita. A arte neoclássica tinha como característica representar uma forma realista, os neoclássicos se preocupam bastante com o sentindo do perfeito. O retrato de Ingres é mostrado quase no quadro inteiro como um elemento principal, ela recebe bastante luz em contra posição do fundo que é bastante escuro.
Já na odalisca de Delacroix, ela não segue um padrão de beleza como na odalisca de Ingres, ela é mostrada de forma “gorda”. Ela não é um foco principal do retrato, pois há bastantes elementos juntos que causam uma sensação de que ela não é o principal do quadro. Além de não se importar com os acabamentos, ele preenche esses espaços com manchas, que ele coloca ate no rosto da odalisca que prejudicam a visão, pois não da pra perceber onde está o rosto e o fundo.

Movimento Neoclassicismo – Artistas do Neoclassicismo

Aula do dia 01/03/07



A pintura do neoclassicismo começa a se desenvolver principalmente na França, com fortes influências nas artes clássicas gregas e em pinturas da renascença italiana. As principais características da pintura neoclássica são uma grande exaltação nos contornos, eles valorizam também uma imagem formalizada, ou seja, tudo centralizado na obra, além da disposição bem ordenada de cores.
Os pintores do movimento que se destacam são Jean Auguste Dominique Ingres e Jacques ­Louis David. Ingres preferia os retratos e os nus às cenas mitológicas e históricas. Os retratos que mais se destacam são Napoleone Bonaparte primo console e Madamoiselle Riviere. Em Madamoiselle ele apresenta fortes influências renascentistas (Monalisa), um primeiro plano com grande destaque e um gênero da imagem retratando uma moça da alta sociedade (roupas/arminho), roupas baseadas nas deusas gregas.
David é considerado o maior artista da pintura neoclassica e o da Revolução Francesa, que depois se tornaria pintor oficial do império de Napoleão. David pintava retratos de Napoleão, fatos históricos ocorridos durante o império e personagens da antiguidade. As obras que mais se destacam são O juramento dos Horácios e O Rapto das Sabinas. Em O juramento dos Horácios ele mostra o uso da cor como elemento simbólico (o vermelho, elemento central), linhas retas nos homens e nas mulheres tudo em curva. Em O Rapto das Sabinas ele mostra um épico (guerra), de um livro, na obra a imagem vai ser totalmente reconstruída pela imaginação, apesar da cena haver vários personagens todos em cantos diferentes, esta tudo muito bem organizado.